IVG 16

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Krematorium

Olio su tela, 70 x 50 cm, 2023. Disponibile.

Oil on canvas, 70 x 50 cm, 2023. Available.

Testo di Luca Deias (ITA)

L’opera, che ricorda "Saturno che divora i suoi figli" di Francisco Goya, rimanda ai forni crematori dei campi di concentramento tedeschi.

Al centro si trova una figura mostruosa con una bocca nelle vesti di forno crematorio; quest’ultimo è realizzato in modo realistico e, al suo interno, si possono notare brandelli di corpi. Il mostro ghermisce un deportato, il cui destino sembra già segnato: è facile intuire che da lì a pochi istanti la vittima sarà inesorabilmente inghiottita.
La figura umana, la cui esistenza si preannuncia dunque effimera, è bianca, ma sarà presto scomposta cromaticamente. Il risultato sarà i 7 colori fondamentali, in un chiaro riferimento all’esperimento del prisma di Newton. La scelta del colore del prigioniero rimanda a questo: nel forno la sua vita brucerà e verrà scomposta fino a eruttare fuori da quella sorta di comignolo, ovvero la testa della figura mostruosa. Il colore bianco della vittima, inoltre, non vuole comunicare positività e purezza, ma tutt'al più innocenza e soprattutto assenza di colpe che l’hanno portato a trovarsi in quella determinata situazione per ignoti motivi di etnia, preferenze sessuali o disabilità.

Sullo sfondo si nota il filo spinato e l’illuminazione fioca delle lampade che evocano i reali campi di concentramento di Auschwitz. Il cielo si sposa a questa immagine impattante, presentando una sorta di turbinio di venti infernali. In basso, sulla destra, si può notare un fiore che non è simbolo di rinascita, ma un presagio malefico. In generale, la pennellata del corpo del Krematorium è vorticosa, scomposta, materica e grassa. Le ombre sullo sfondo, una massa violacea, sono alberi che fanno percepire il campo di concentramento ancor più chiuso e soffocante di quanto già non lo sia col filo spinato.

Text by Luca Deias (ENG)

The work, reminiscent of Francisco Goya’s "Saturn Devouring His Son", refers to the crematoriums in German concentration camps.

At the center there is a monstrous figure with a mouth in the guise of a crematorium furnace; the latter has been realistically depicted, and inside of it shreds of bodies can be discerned. The monster grasps a deportee, whose fate seems already sealed: it is easy to understand that, in a few moments the victim will be inexorably swallowed up.
The human figure, whose existence thus appears ephemeral, is white but will soon be chromatically decomposed. The result will be the seven primary colors, a clear reference to Newton’s prism experiment. The choice of the prisoner’s color alludes to this: in the furnace, his life will burn and be broken down until it erupts from the monstrous figure’s chimney, representing the head. The white color of the victim does not intend to convey positivity and purity, but at most innocence and, above all, the absence of guilt that led them to that particular situation due to unknown reasons related to ethnicity, sexual preferences, or disabilities.

In the background, barbed wire and the dim lightning of lamps evoke the real Auschwitz concentration camps. The sky complements this impactful image, presenting a kind of swirl of infernal winds. At the bottom, on the right, a flower can be noticed, not a symbol of rebirth but an ominous premonition. Overall, the brushstroke of the Krematorium’s body is swirling, decomposed, material, and thick. The shadows in the background, a purplish mass, are trees that make the concentration camp feel even more enclosed and suffocating than it already is with the barbed wire.